Films con mucho arte: la cabecera de "Mujeres desesperadas"

Esta semana, nuestro post de la serie "Films con mucho arte" es muy especial, y os contaré por qué: soy muy aficionada a las series americanas de ficción, principalmente a esas que no exigen demasiado del espectador, sino que sólo sirven para pasar un buen rato cuando llegas a casa del trabajo. Me refiero a series como Anatomía de Grey, Hellcats, Greek... La única excepción fue LOST, que sí que implica ponerse a pensar un poquito, o al menos tener buena memoria para poder hilar las distintas historias. El caso es que la semana pasada terminé de ver mi dos series fetiche: Gossip Girl y Pretty Little Liars (momento adolescencia efervescente total), y me pregunté "¿y ahora qué?". Recordé que hacía tiempo que me habían recomendado ver Mujeres Desesperadas, así que me puse a ello, y cuál fue mi sorpresa al encontrarme con esta genial cabecera:

Simplemente genial: una cabecera de una serie plagada de obras de arte. Personalmente, con eso ya me tenia ganada. Vamos a analizar un poco más despacio las obras que aparecen en este original montaje:

Imagen de Wikipedia

- Adán y Eva (Lucas Cranach "El Viejo", 1513-1515): pintados en óleo sobre tabla, estas dos figuras forman parte de un díptico que se encuentra en la Galleria degli Ufizzi, en Florencia. La escena representa a Eva ofreciendo a Adán la manzana del pecado original, después de haber sido tentada por la serpiente: sin lugar a dudas, recoge en una sola imagen la esencia de la serie, aunque puede identificarse sobre todo con el personaje de Susan (Tery Hatcher), que intenta seducir a su vecino.

Imagen de pinturayartistas.com

- Litografías egipcias: o dibujos sobre la piedra. Estos dibujos se solían representar en paredes y columnas de tumbas y templos. Las representaciones de las tumbas tienen como tema escenas de la vida cotidiana, con la intención de que el difunto las recordara y reviviera tras su muerte. En el caso de los templos, las pinturas suelen representar escenas sagradas o de adoración. En este caso podemos ver cómo una "mujer desesperada" intenta escapar de un grupo de niños: muy ilustrativo del personaje de Lynette (Felicity Huffmann), a la que sus hijos vuelven loca. 

Imagen de Wikipedia

- El matrimonio Arnolfini (Jan Van Eyck, 1434): esta obra es famosa por algo que no debería serlo, y lo aclaro: mucha gente (no profesionales del arte) intenta "tirarse el pisto" diciendo que hay un misterio detrás del cuadro, porque no se sabe si la mujer está embarazada. Cualquiera que haya estudiado Historia de la Moda sabe que la vestimenta típica de la época en los Países Bajos (la que lleva la Señora Arnolfini) pesaba bastante, y que las mujeres tenían la costumbre de recoger sus ropajes a la manera en que lo hace ella  en el cuadro para no pisarlos y estropear las suaves pieles. Por tanto, misterio resuelto.

En la cabecera la imagen ha sido modificada de modo que Mister Arnolfini tira la cáscara de un plátano que inmediatamente es recogida por su señora: una actitud muy similar a la que tiene en la serie el personaje de Bree (Marcia Cross). 

Imagen de Wikipedia

- American Gothic (Grant Wood, 1930): obra perteneciente al expresionismo abstracto y representa al típico matrimonio de avanzada edad formada por un abuelito al cual se le van los ojos detrás de la Pin-Up de Andy Warhol que asoma por la esquina, y su mujer, que le reprende con un sutil escobazo.

Imagen de elreinodelapelusa,blogspot.com

- Am I a proud! (Dick Williams, 1940): fiel reflejo del american way of life, contamos con multitud de carteles reivindicando el valor de la mujer como ama de casa; lo cual, como vemos en la serie, es un trabajo a tiempo completo.

Imagen de pienso-pero-existo.blogspot.com

- Campbell's Soup Can (Andy Warhol, 1962): el máximo exponente del Pop Art inmortalizó por 32 veces esta lata, que ha pasado a formar parte de la cultura norteamericana. Los elementos procedentes de la cultura popular son la base de este movimiento que justo ayer perdía a uno de sus mejores representantes a este lado del Atlántico: Richard Hamilton.

- Couple arguing y Romantic couple (Robert Dale, 1960's): dos obras también pertenecientes al Pop Art y basadas en el mundo del cómic, que representan a la perfección la dinámica de amor-odio existente entre los personajes de Gabrielle y Carlos (Eva Longoria y Ricardo Chavira). Este tipo de infografías llegaría a su punto álgido a través de la obra de Roy Lichtenstein.

Imagen de elreinodelapelusa.blogspot.com

Después de este pequeño análisis sólo me queda ponerme al día con la serie, cuya última temporada se emitirá en breve. De momento sólo he podido ver un par de capítulos, pero la mezcla de humor-drama-misterio no me ha defraudado.

¿Seguís Mujeres desesperadas? ¿Qué os parece la serie?

Long live Richard Hamilton

Ayer, 13 de septiembre, fallecía a los 89 años de edad el artista Richard Hamilton, considerado como el padre del Pop Art. Hamilton, admirado por igual por crítica, público y por sus propios colegas, se encontraba trabajando en una retrospectiva de su obra para 2013.

Imagen de absolutlondres.com

La obra del británico estuvo, durante sus comienzos, influida por pintores como Cézanne; en 1952 Hamilton descubrió la tipografía y el diseño industrial, lo cual hizo dar un giro de 180 grados a su obra, que se volvió hacia la contemporaneidad, trabajando con nuevos materiales y técnicas, y alcanzó su punto álgido con el collage.

Él mismo se consideraba "el abuelo del Pop Art"; este movimiento está basado en el uso de conceptos pertenecientes al imaginario popular, y surge como reacción al academicismo y al elitismo artístico existente durante la primera mitad del siglo XX. El Pop Art surgió primero en Gran Bretaña, que veía desde la distancia la cultura estadaunidense: en 1952 Eduardo Paolozzi fundó el "Grupo Independiente", formado por artistas de diversas disciplinas, y cuya forma de expresión más importante fue el collage.

Imagen de dobleclic.com

La obra más famosa de Hamilton pertenece, precisamente, al mundo del collage: Just What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing? (1956). En ella se entremezclan los elementos más reconocibles dela cultura contemporánea norteamericana en una feroz crítica al "american way of life". Esta obra se convirtió en el manifiesto del movimiento Pop Art en Inglaterra. 

El hombre de Vitrubio by Greenpeace

Esta semana leí en el periódico una de esas noticias que no se ven todos los días: John Quigley, un artista de origen irlandés que se dedica a las obras artísticas ambientales, realizó para Greenpeace un enorme dibujo de El hombre de Vitrubio, de Leonardo da Vinci, en el ártico, tan sólo a 800 km del Polo Norte. El dibujo fue realizado en el hielo con una parte faltante para concienciar a la sociedad del problema del deshielo: sin duda una forma original y muy artística de activismo.

Imagen de lagranepoca.com

Imagen de wikipedia

El Hombre de Vitrubio (o Vitruvio) es un dibujo realizado por Leonardo da Vinci en uno de sus diario en torno a 1487: se trata de un estudio en el que están representadas las proporciones ideales del cuerpo humano según los cánones clásicos. En la obra podemos ver la figura de un hombre en dos posiciones diferentes, inscrito en un cuadrado y en una circunferencia.

El dibujo, acompañado por una serie de anotaciones del propio Leonardo con su peculiar escritura (escrcibía de derecha a izquierda como medio para preservar sus investigaciones) está basado en el tratado De Architectura del artista y estudioso romano Vitrubio, que fue escrito en el siglo I a.C. y dedicado a su patrón Octavio Augusto, primer emperador del Imperio Romanoy heredero de Julio César. El tratado habla de las proporciones del cuerpo humano, basadas en fracciones matemáticas: las proporciones de los órdenes arquitectónicos clásicos deben seguir estas mismas proporciones si quieren ser perfectas.

Este dibujo es la representación gráfica de la máxima del pensamiento antropomórfico renacentista: el hombre como centro del mundo y de todas las cosas, alrededor del cual gira todo. El hombre de Vitrubio nos revela unas medidas un tanto curiosas que, sin embargo, se han mantenido a lo largo de la historia como las medidas ideales. ¿Sabías que la altura de un hombre debe corresponder a ocho veces la medida de su cabeza? Según el canon de Vitrubio, ¿tienes las medidas correctas?

Films con mucho arte: El diablo viste de Prada

Dado que hoy es la Vogue's Fashion Night Out, a la que asistiré muy gustosamente para pasar un buen rato y también para conseguir material para Hispamoda.com, donde colaboro como blogger, he decidido dedicar el día entero al mundo de la moda: la película a analizar hoy es El diablo viste de Prada (David Frankel, 2006).

Imagen de weblogmapies.es

El Diablo viste de Prada, basada en la novela homónima de Lauren Weisberger, narra la historia de Andrea, una joven recién licenciada que quiere hacerse un sitio en alguna de las editoriales de mayor prestigio de Nueva York. Para ello se marcha a vivir a Manhattan junto con su novio y consigue trabajo como segunda ayudante de la magnate más importante del mundo editorial en materia de moda: Miranda Priestly, directora de la revista Runway. Durante su estancia en las oficinas de Runway Andrea descubrirá los entresijos de un mundo que parece bonito desde fuera, pero entre bambalinas reinan las intrigas, envidias y sacrificios como en cualquier otro lugar.

Tengo que reconocer que me encanta esta película: no es un film de culto, ni ha marcado un punto de inflexión en la Historia del Cine, pero me parece divertidísimo. No se trata de un film para reflexionar ni con una moraleja de esas que te dejan pensando horas después de verlo: simplemente se trata de disfrutar del incesante desfile de prendas de diseñadores de moda y de las geniales actuaciones de los protagonistas.

Imagen de oscarfan69.blogspot.com

Meryl Streep borda su papel de Miranda Priestly (dicen las malas lenguas que es un personaje ficticio basado en la muy real Anna Wintour, directora del Vogue norteamericano): el estilo de mujer fría, calculadora y al mando de todo lo que hay a su alrededor le va como anillo al dedo. La interpretación mejora notablemente si veis el film en versión original: el tono de voz de la Streep cuando se dirige a cualquiera de sus empleados, con un marcado desdén y una superioridad absoluta es simplemente genial.

Imagen de vivresansregret.blogspot.com

Anne Hathaway interpreta el papel de Andrea y, bueno, no me resulta una actuación para recordar. Sí fue la que la lanzó definitivamente al estrellato, pero creo que simplemente está correcta. Sí me gustan mucho las interpretaciones de dos secundarios de lujo del film: Stanley Tucci, que alguna vez he dicho ya que es uno de mis actores favoritos, con una capacidad espeluznante para cambiar de registro, y Emily Blunt, que interpreta a la primera ayudante de Miranda. Es genial ver cómo pierde la paciencia por minutos cada vez que Andrea aparece en escena. Una vez más, mucho mejor en versión original, ya que la actriz es inglesa, y su acento británico genera un marcado contraste con todos los americanos de la película.

A destacar, obviamente, el vestuario del film escogido por Patricia Field, famosa por ser la encargada de vestuario de la serie y las películas de Sexo en Nueva York. Botas de Jimmy Choo, conjuntos de Channel, los famosos pañuelos de Hervé... Todo un derroche de moda y glamour que hará que los más fashionistas pasen un rato inolvidable.

Os dejo el trailer de la película en versión original: que paséis una buena tarde, yo voy a preparar mi outfit para la noche de la moda!

Florencia: la catedral de Santa Maria del Fiore (IV) La decoración interior

Llegamos al último post sobre la catedral de Florencia que dedicaremos a la decoración interior de la misma, centrándonos en las obras más importantes.

Como ya hemos dicho anteriormente, la catedral de Santa Maria del Fiore posee un marcado contraste entre su exterior profusamente decorado, y su interior bastante espartano. Dentro de la nave, las paredes se encuentran enjalbegadas, y sus muros blancos se encuentran adornados con escasas pinturas y frescos, eso sí, de marcada importancia para la historia de la ciudad y del Arte.

Domenico da Michelino pintó al fresco la obra Dante con la Divina Comedia, que se encuentra en uno de los primeros tramos de la nave norte (según entramos por la fachada occidental, a mano izquierda): en él vemos representado al poeta Dante Alighieri, la figura más importante de toda la cultura florentina, con su obra más célebre en la mano derecha, presentándola a la ciudad que le ha visto nacer. Este es el homenaje que Dante quiere hacer a Florencia: vemos la ciudad cerrada con sus murallas de época medieval, de las que sobresalen las construcciones más importantes, entre ellas la torre del Palazzo Vecchio, el campanile de Giotto y, cómo no, la cúpula de la catedral construida por Brunelleschi, que se había terminado pocos años antes. A la izquierda de la figura de Dante aparecen representados los tres escenarios principales de su obra: en el extremo izquierdo los demonios conducen a los pecadores bajo tierra para que sufran las torturas del infierno, y a continuación una montaña con siete niveles representa los siete anillos del purgatorio y remata en el Paraíso, donde se encuentran Adán y Eva en torno al árbol del pecado.

También en las paredes de la nave norte encontramos dos de los frescos más significativos de la Historia del Arte: se trata de los retratos ecuestres de Giovanni Acuto (Paolo Uccello, 1436) y Niccolò da Tolentino (Andrea del Castagno, 1456). Ambs frescos son recreaciones de monumentos no reales, con un hombre a caballo sobre un podio, remitiéndonos siempre a la tradición romana del retrato ecuestre. Aunque ambas pinturas se realizaron ya bien entrado el siglo XV, los problemas de perspectiva que presentan son notables: en los dos frescos se utiliza una perspectiva diferente para la parte del podio, que parece visto desde abajo, y para la estatua en sí, que posee una visión frontal. Este hecho llama la atención sobre todo en el caso de Paolo Uccello, quien en obras posteriores, como en la serie de La Batalla de San Romano (1460), hace un espectacular alarde de su dominio de la perspectiva y los puntos de fuga: a través de las diferentes obras, podemos ver cómo un artista evoluciona. Las dos obras intentan imitar el material que se hubiera utilizado en la realidad (mármol en el caso de la obra de Uccello, y bronce en la de Castagno), y ambas utilizan un contorno definido de las figuras que las hacen contrastar con el fondo, otorgándoles de ese modo una mayor monumentalidad. Lo que resulta más curioso, sin duda, es que ninguno de los dos caballos podría haberse mantenido en pie de haber sido construidos, ya que ambos levantan las patas del mismo lado.

Retrato ecuestre de Giovanni Acuto
(Paolo Uccello, 1436)

Retrato ecuestre de Nicolò da Tolentino
(Andrea del Castagno, 1456)

En la parte interior de la fachada occidental encontramos uno de los artilugios más curiosos del lugar: un reloj de 24 horas diseñado por Paolo Uccello. Al parecer este tipo de relojes cobró importancia desde comienzos del Renacimiento para estudiosos como astrónomos, astrólogos y humanistas: relojes como éste podemos encontrarlos en la catedral de San Marcos de Venecia, en Milán o en Praga. El caso de la catedral de Florencia destaca, además, por el uso de la numeración romana y porque se encuentra rodeado por las figuras de los cuatro evangelistas: de esta manera, un instrumento relacionado con las ciencias (el reloj como útil para el estudio del tiempo) está perfectamente integrado en un edificio dedicado a la fe.

Imágenes de Wikipedia

Ni un día sin arte

"El arte alimenta el espíritu". No sé quién lo dijo, pero tenía razón. La acción de contemplar una obra de arte mueve dentro de nosotros una serie de mecanismos que nos llevan a un juicio de valor: más allá del "me gusta" o "no me gusta", la obra de arte y su contexto histórico provocan en nuestro interior reacciones como la admiración, la piedad, el asco o el miedo que tienen que ver con nosotros mismos y con nuestra historia. El arte es, por tanto, una herramienta indispensable a la hora de fraguar nuestra personalidad, nuestra forma de pensar y de actuar y el conocimiento de nuestro pasado histórico.

El ser humano es social por naturaleza, y más aún en los tiempos que corren: el hecho de compartir información, tanto personal como pública, se ha convertido en una necesidad diaria. Hoy en día las redes sociales nos han facilitado esta tarea: cualquiera puede compartir sus pensamientos y vivencias a través de plataformas como Facebook o Twitter, compartiéndolas con millones de personas alrededor del mundo. Y esto nos hace sentir pequeños, debido al gran volumen de información que fluye por la red, pero también grandes porque sentimos que nuestra opinión importa.

No podemos vivir sin arte; tampoco podemos vivir sin comunicarnos. Por esta razón lanzamos desde esta página la iniciativa Ni un día sin arte, con el propósito de compartir a través de internet no sólo nuestras obras favoritas, sino también lo que nos sugieren o nos hacen sentir. Consideramos que la cultura y el arte forman parte de lo que somos, y por eso queremos compartirlo: en Twitter bajo el hashtag #NiUnDiaSinArte compartimos pinturas, esculturas, happenings, libros, edificios, relieves, grabados... todas aquellas obras que nos gustan y que nos conmueven.

A pesar de que la iniciativa acaba de comenzar, personalmente me ha servido para conocer artistas con cuya obra no estaba familiarizada, y también para ponerme en contacto con personas con mis mismos intereses culturales con los que he compartido conversaciones muy interesantes sobre el arte. Pretendemos, así mismo, crear una red de comunicación entre todos aquellos que se encuentren interesados en el arte y la cultura, para compartir información, experiencias y vivencias.

Con una periodización bisemanal o mensual compilaremos todas las obras que se hayan compartido con el hashtag #NiUnDiaSinArte, creando una especia de galería virtual a través de la cual podremos comprobar hacia dónde fluye el arte en nuestros días, cuáles son los gustos populares, los autores más admirados o las obras con más éxito.

Os invitamos a todos a seguirnos en twitter (@RaRoARTE) y a compartir vuestras obras favoritas, siempre con el hashtag #NiUnDiaSinArte. Si no disponéis de cuenta en twitter, sin ningún tipo de problema podéis compartirlas en nuestra página de Facebook, enviármelas a esta web mediante un comentario, o bien a mi e-mail (raquelrodriguez.arte@gmail.com), y yo las publicaré en twitter en vuestro nombre.

¡Si tenéis cualquier pregunta, no dudéis en contactar conmigo! ¡Un fuerte abrazo!